miércoles, 9 de marzo de 2016

9 DE MARZO DE 1994 MUERE :

CHARLES BUKOWSKI


(Andernach, 1920 - San Pedro, California, 1994) Escritor estadounidense. En la línea del anticonformismo californiano de la generación beat y utilizando un lenguaje agresivo y una temática marginal, a menudo obscena o violenta, elaboró una obra singular, entre cuyos títulos destacan El cartero (1971), Escritos de un viejo indecente (1969), Ordinaria locura (1976) y Música de cañerías (1983).

Hijo de un oficial norteamericano y de una alemana, su familia se trasladó a Estados Unidos cuando tenía tres años. El joven Bukowski creció en un barrio pobre, y durante la gran depresión económica iniciada en 1929 hubo de soportar la miseria y los castigos de su padre. Estudió periodismo mientras trabajaba en varios oficios, desde lavaplatos hasta aparcacoches, pero no llegó a graduarse y llevó una vida dispersa, entregada al alcohol y a un vagabundeo sin rumbo. De aquella época son sus primeros poemas y también algunos cuentos, que publicaría a partir de 1940.
En 1956 comenzó a trabajar en el servicio de correos, lugar que le serviría de inspiración para su primera novela, El cartero (1971), que protagoniza por primera vez Henry Chinasky, un alter ego destinado a reaparecer en todos sus trabajos posteriores, excepto en la novela Pulp, publicada póstumamente en 1994. A los cincuenta años abandonó el empleo en correos para "sobrevivir con el oficio de escritor".
En sus obras retrató toda una galería personajes estrafalarios y marginales: prostitutas, alcohólicos, vagos, buscavidas, jugadores arruinados y bravucones que circulan como sonámbulos o pícaros por una ciudad que los rechaza. Varios títulos de sus obras hablan por sí solos de sus líneas argumentales: Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones (1972) o Escritos de un viejo indecente (1969).
Estos temas también serían también los de sus libros de poesía, escrita en un verso rudo, escasamente lírico, de mensaje claro y áspero, pese a que en ocasiones afloran en sus poemas los sentimientos y hasta un estado de felicidad. Sus relatos breves, como sus poemarios, están escritos en un lenguaje directo, funcional, que cuenta ágilmente una historia con un final por lo general subido de tono y con una atmósfera una veces sórdida y otras atravesada por la comicidad y el habla coloquial más descarnada.
De sus recopilaciones de relatos destaca Música de cañerías (1983); las treinta y cuatro narraciones de que consta el volumen ofrecen al lector un sórdido recorrido por la vida nocturna de Los Ángeles. Personajes marcados por todo tipo de fracasos se cruzan durante unos minutos en una habitación, un bar o una esquina para compartir soledad y alcohol. El tono general es de un humor grotesco, y el estilo narrativo resulta siempre muy económico, espontáneo y directo. Muchos de los personajes esbozados son artistas y escritores de escaso éxito hasta el momento, entre los que destaca de nuevo su alter ego, Henry Chinaski, cínico intelectual y amante incansable que protagoniza varias de las narraciones.
El elemento autobiográfico es en el fondo el aglutinador del conjunto de la obra de Bukowski, quien se empeña en magnificar, incluso con recursos cómicos, su condición de bebedor y mujeriego empedernido, de habitante de submundos relacionados con sus numerosos empleos y ambientes deportivos como el de las carreras de caballos, el boxeo o el béisbol. Sus relatos describen siempre realidades degradadas (en realidad, incluso sus novelas no son más que secuencias de narraciones breves unificadas por un yo narrador), reflejo de la monstruosidad de ciertos ámbitos de las ciudades norteamericanas, especialmente Los Ángeles. Sus continuas variaciones sobre pocos temas predilectos lo relacionan, más que con los escritores de su generación (aunque su prosa pueda recordar a la de Henry Miller), con los pintores del hiperrealismo.
La obra de Charles Bukowski recibió tantas críticas negativas como positivas. Se le acusó de practicar un estilo soez como mero exhibicionismo literario y de reiterar sus obsesiones de modo efectista. Otros críticos, en cambio, realzaron su autenticidad y su condición de escritor maldito. El "fenómeno Bukowski" irrumpió en Europa con grandes triunfos editoriales, pero permaneció prácticamente ignorado por los críticos y los lectores de su país. De hecho, el Bukowski poeta (a menudo convocado para lecturas de versos en las universidades norteamericanas) gozó de mayor popularidad en Estados Unidos que el escritor, al contrario de lo que ocurrió en el viejo continente.
9 DE MARZO DE 1918 MUERE :

FRANK WEDEKIND

Dramaturgo y actor alemán nacido en Hanover el 24 de julio de 1864 y fallecido en Munich el 9 de marzo de 1918. Fue educado en Gemeindeknabenschule and Bezirksschule, Lenzburg; Kantonsschule, Aarau; y en las universidades de Lausanne (1864), Munich (1884-1885) y Zurich (1888). La lectura de Schopenhauer y la influencia de Olga Plümacher, amiga de su madre, le hicieron tomar interés en la filosofía; incluso llegó a elaborar una teoría fundada en el pesimismo y el egoísmo. En Lausanne estudió Germanística y Literatura Francesa y, en Munich y Zurich, Derecho, por imposición de su padre (aunque no asistió a las clases). Trabajó como periodista para el Neue Zürcher Zeitung y en 1886 entró como director de publicidad y prensa de la empresa de sopas Maggi, en Zurich. En esa ciudad se puso en contacto con intelectuales alemanes exiliados como consecuencia de la Ley Anti-socialista promulgada por Bismarck, como los naturalistas y el grupo "Das junge Deutschland" ("La joven Alemania"). Entre 1883 y 1885 mantuvo una relación sentimental con una mujer madura llamada Bertha Jahn. En 1888 pasó medio año viajando como secretario del circo Herzog. Después se trasladó a París con el artista circense Rudinoff. Regresó a Munich y, tras la muerte de su padre, volvió a París como secretario del pintor Willy Grétor. Durante esos años estuvo vinculado a la bohemia de las ciudades por donde pasaba, ingresó en sus círculos literarios y siguió vinculado al circo, a los cabarés, al ballet y a los prostíbulos; de hecho, en sus obras considera el burdel como un mundo ideal donde los hombres viven en armonía consigo mismos, sin restricciones sociales, y a la prostituta como arquetipo de libertad frente a la sociedad corrupta.

Viajó a Londres y a Suiza. Allí comenzó a trabajar como actor bajo el seudónimo de Cornelius Mine-Haha. Colaboró en Munich con la revista satírica Simplicissimus bajo el seudónimo de Hieronimus, con artículos de carácter político. En 1897 fue contratado como secretario, actor y director en el Teatro Ibsen de Leipzig; como actor trabajaba con el nombre de su abuelo, Heinrich Kammerer. Con esta compañía representó Espíritu de la Tierra y adaptó La Caja de Pandora. Él interpretaba el papel del Doctor Schön. Tras esta experiencia fue a Munich. Como consecuencia de sus actividades en la revista Simplicissimus fue acusado de traición contra Guillermo II y tuvo que exiliarse a Zurich y a París, pero acabó poniéndose a disposición judicial en Munich. En 1901 fue puesto en libertad y comenzó un periodo de aburguesamiento progresivo y de madurez.

La falta de dinero le obligó a trabajar como actor, recitador y cantante en el cabaré de Munich Elf Scharfrichter ("Los once verdugos"). El estreno de El marqués de Keith fracasó en 1901 en Berlín y luego en Viena. En 1905 estrenó la segunda parte de La Caja de Pandora, con este título, en Viena, y con Wedekind en el papel de Jack. La obra fue un éxito y la crítica se puso a su favor. En esa obra conoció a la actriz protagonista en el papel de Lulú, Tilly Newes, y en 1906 contrajo matrimonio con ella, con la que tuvo dos hijas, Pamela y Kadidja. Su matrimonio acabó deteriorándose; su esposa incluso intentó suicidarse en 1917. Sus obras, aunque censuradas, alcanzaron el reconocimiento y el éxito. Sin embargo, no abandonó su tipo de vida bohemia.

En 1906 estrenó en Berlín Despertar de la Primavera, donde él mismo interpretaba el personaje de Señor Enmascarado. En 1912 y 1914, Max Reinhardt dirigió dos ciclos de las obras de Wedekind. Falleció en 1918 a causa de una neumonía.

Su labor literaria comenzó bajo la influencia del dramaturgo alemán Gerhart Hauptmann, pero más tarde rechazó el naturalismo en favor de los estilos desarrollados por el dramaturgo sueco August Strindberg y el poeta y dramaturgo alemán Georg Büchner. Sus temas y los efectos escénicos que plantea en sus obras, poco habituales en su momento, hacen de él un importante precursor del expresionismo en Alemania. Entre sus obras se encuentran: su primer drama Der Schellmaler, oder Kunst und Mammon (El pintor rápido, Zurich, 1886), con el que obtuvo mediano éxito; Elins Erweckung (El despertar de Elin, 1887); Kinder und Narren. Die junge Welt (Niños y necios. El mundo joven, 1889); Frühlingserwachen (Despertar de la primavera, Zurich, 1891), tragedia fantástica y vivamente erótica, que pasó casi inadvertida hasta que en 1906, en la representación de ensayo en un teatro alemán de Berlín, causó gran sensación, y que trata el tema de la iniciación sexual del adolescente en un mundo de adultos incomprensivos; Fritz Schwigerling. Der Liebestrank (Fritz Schwigerling. El filtro de amor, 1892); Das Sonnenspektrum (Espectro solar, 1894); Die Büchse der Pandora. Eine Monstertragödie (La Caja de Pandora. Una tragedia monstruosa, 1894); su tragedia Erdgeist (Espíritu de la Tierra, Munich, 1895), que caracteriza cruelmente la maldición de la sensualidad, despertó más indignación que aprobación; la colección de prosa y poesía Die Prinzessin Russalka (La princesa Russalka, 1897); Die Kammersänger (El cantor de cámara, 1897); Der Marquis von Keith (El marqués de Keith, 1899-1900); la novela Mine-Haha oder die körperliche Erziebung der jungen Mädchen (Mine-Haba o la educación sexual de las muchachas, 1899-1900); So ist das Leben. König Nicolo (Así es la vida. El rey Nicolo, 1902); Die Büchse der Pandora (La Caja de Pandora, 1902), cuyo principal personaje es la prostituta Lulú, que desarrolla el compositor Alban Berg en la conocida ópera del mismo título; la comedia Hidalla. Karl Hetmann, der Zwergriese (Hidalla. Karl Hetmann, el gigante enano, 1903-1904); Totentanz. Tod und Teufel (Danza Macabra. Muerte y Diablo, 1905); los poemas Die vier Jahreszeiten (Munich, 1905); las narraciones Feuerwerk (Munich, 1906); Musik (Música, 1906); Die Zensur (La censura, 1907); Daba. Die Satire der Satire (Daba. La sátira de la sátira, 1908); Der Stein der Weisen (La piedra de las costumbres, 1909); Franziska (1911); Samson oder Scham und Eifersucht (Sansón o Vergüenza y Envidia, 1913); Lulu. Tragödie in 5 Aufzügen mit einem Prolog (Lulú. Tragedia en 5 actos con un prólogo, 1913); Bismarck (1915); Herakles (1916-1917).

Wedekind debe su reputación al hecho de haber escrito obras en las que el sexo es el tema principal. Sin embargo, su propósito específico era hacer reflexionar al público sobre la hipocresía de la sociedad anterior a la Primera Guerra Mundial y mostrar las consecuencias grotescas de la tensión existente entre la imagen que proyectamos de nosotros mismos a la sociedad y la que la sociedad quiere imponernos. Para ello, Wedekind experimentaba con técnicas y recursos teatrales. Despertar de la primavera fue su primera obra maestra, aunque no fue estrenada hasta después de La Caja de Pandora, y le dio fama como dramaturgo provocador y controvertido, sobre todo cuando Max Reinhardt la montó en su teatro experimental en Berlín, en 1906. Las dos obras que escribió sobre el personaje de Lulú colmaron las expectativas abiertas con su primera obra: Espíritu de la Tierra y La Caja de Pandora. Estas obras motivaron problemas con la censura en Alemania y en Austria; no obstante, están reconocidas como unas de las obras maestras más ambiciosas e innovadoras del teatro de principios de siglo. Sus textos requieren de una puesta en escena muy cuidadosa con el ritmo, la iluminación, los matices de entonación, etc., puesto que el diálogo es sólo un boceto de la realización escénica. Aunque sus obras son experimentales, están escritas para ser representadas en la escena profesional.

El Marqués de Keith es una obra menos triste y más comprometida, y una de las mejores comedias escritas en lengua alemana. Está basada en el tema cómico de un timador fanfarrón y recuerda a los diálogos de Shaw. Igualmente cómica es El cantor de cámara, una de las más accesibles de sus obras socio-satíricas, que retrata a un artista agobiado por el dilema entre el verdadero genio creador y la habilidad para recrear arte sin tener necesariamente un propósito estético. En Hidalla, Wedekind coloca como protagonista a un excéntrico que se ha impuesto a sí mismo la misión de mejorar a la humanidad mediante la cría de seres humanos perfectos. La utopía humorística y la caricatura social se mezclan en esta obra, de tintes proféticos sobre lo que iba a ser la realidad alemana en los años siguientes. Wedekind representó el papel principal de esta obra. Los temas de Musik son la decepción del hombre con la sociedad y con la vida misma, la doble moral y la incoherencia del comportamiento humano.

Puede que todas las obras de Wedekind no consiguieran la calidad de sus obras maestras. Sus últimas obras pierden un tanto de la acidez de las primeras. Sin embargo, es justo considerar a Wedekind el puente entre Büchner y Brecht, gracias a la unión en sus obras de realidad y fantasía, y a la combinación de crítica social y didactismo con la farsa grotesca. Esta condición grotesca de sus obras pretendía sacudir al público, pero fueron muy frecuentemente censuradas porque se consideraba que atacaban la moralidad de la clase burguesa. Sus obras proyectan también una reflexión lírica llena de teatralidad sobre la ansiedad existencial del ser humano.

También escribió narrativa, como Die Fürstin Russalka (1897); Mine-Haha; oder, Über die körperliche Erziehung der jungen Mädchen (1901); o Feuerwerk (1905); poesía, como Lautenlieder (1920); o Ich hab meine Tante geschlachtet: Lautenlieder und "Simplizissimus"- Gedichte (1967); y memorias y cartas, como Gesammelte Briefe (1924); Selbstdarstellung (1954); Der vermummte Herr: Briefe 1881-1917 (1967); o Die Tagebücher: Ein erotisches Leben (1986).
9 DE MARZO DE 1892 NACE :

VITA SACKVILLE-WEST

(Victoria Mary Sackville-West, Knole, 1892-Sissinghurst, 1962) Escritora británica. Hija del tercer barón de Sackville, frecuentó el grupo de Bloomsbury y, en particular, a Virginia Woolf, quien se inspiró en ella para escribir Orlando. Es autora de libros de poesías (La tierra, 1927; El jardín, 1946), de novelas (Las eduardianas, 1930), de un estudio sobre santa Teresa de Ávila y santa Teresa de Lisieux (El águila y la paloma, 1943) y de numerosas obras de jardinería.

martes, 8 de marzo de 2016

ELIZABETH SIDDAL

AMOR MUERTO

Nunca llores por un Amor muerto,
Ya que rara vez el Amor es verdadero.
Él cambia sus ropas del rojo al azul,
Y del más brillante azul al rojo,
El Amor ha nacido a una muerte temprana,
Y su realidad es apenas un despojo.

Entonces no ancles tu sonrisa
En su pálido rostro descarnado,
Para exhalar el más profundo de los suspiros.
Las palabras justas en labios sinceros
Pasarán, y sin dudas morirán;
Y tu estarás solo, mi querido,
Cuando se desaten los vientos invernales.

Nunca lamentes aquello que no puede ser,
Pues este Dios no regala dones.
Si este pobre sueño de amor fuese nuestro,
Entonces, querido, estaríamos en el Cielo,
Pero aquí sólo hay campos muertos,
Donde el verdadero amor jamás es cierto.
DELMIRA AGUSTINI
TU AMOR

Tu amor, esclavo, es como un sol muy fuerte:
jardinero de oro de la vida,
jardinero de fuego de la muerte,
en el carmen fecundo de mi vida.

Pico de cuervo con olor de rosas,
aguijón enmelado de delicias
tu lengua es. Tus manos misteriosas
son garras enguantadas de caricias.

Tus ojos son mis medias noches crueles,
panales negros de malditas mieles
que se desangran en mi acerbidad;

crisálida de un vuelo del futuro
es tu abrazo magnífico y oscuro
torre embrujada de mi soledad.










GERLILIBROS: ALFONSINA STORNITU ME QUIERES BLANCATú me qu...

GERLILIBROS: ALFONSINA STORNI TU ME QUIERES BLANCA Tú me qu...: ALFONSINA STORNI TU ME QUIERES BLANCA Tú me quieres alba, Me quieres de espumas, Me quieres de nácar. Que sea azucena Sobre todas,...

 ALFONSINA STORNI

TU ME QUIERES BLANCA

Mangrullo del Tiempo: El auténtico origen del Día Internacional de la Mu...

Mangrullo del Tiempo: El auténtico origen del Día Internacional de la Mu...: ( Versión corregida, 6 de marzo de 2014) por Horacio Ricardo Silva (*) A Sonia Balzano, mujer que supo romper sus cadenas;  y en e...

El auténtico origen del Día Internacional de la Mujer

(Versión corregida, 6 de marzo de 2014)

por Horacio Ricardo Silva (*

lunes, 7 de marzo de 2016

7 DE MARZO DE 1924 NACE  :

KIMIFUSA ABE O "ABE KOBO"


Novelista y dramaturgo japonés, nacido el 7 de marzo de 1924 en Tokio y fallecido el 22 de enero de 1993 en la misma ciudad, cuyo verdadero nombre es Abe Kobo. En sus obras evocó situaciones extrañas y alegóricas para subrayar el aislamiento del hombre individual. Creador de excelentes retratos sobre la alienación y la pérdida de identidad en la vida moderna, llegó al gran público, tanto en el Japón de postguerra como en el resto del mundo. Sus escritos retratan la sensación de pérdida y la soledad entre la desolación de la vida urbana (uno de sus personajes se transforma en planta; otro se convierte en una caja para estar libre del mundo). Leyó no sólo a los escritores orientales, sino también a Kafka y Dostoievsky, y fue a menudo comparado con este último.

Creció en Mukden (ahora Shen-yang) en Manchuria, cuando esa parte de China estaba bajo la ocupación del ejército japonés, donde su padre enseñaba en una escuela médica. En su juventud estuvo interesado en la colección de insectos, en las matemáticas y en la lectura de las obras de Fyodor Dostoievsky, Martin Heidegger, Karl Jaspers, Franz Kafka, Friedrich Nietzsche, y Edgar Allan Poe. Viajó a Japón en 1941 y en 1943 comenzó a estudiar medicina en la Universidad de Tokio, aunque regresó a Manchuria para afrontar el final de la Segunda Guerra Mundial. Finalmente, también se graduó en Medicina (1948) en la Universidad de Tokio, aunque nunca la practicó.

Publicó en 1947 sus Poemas de un poeta desconocido, costeada por él mismo. Consiguió cierta reputación con la novela La señal del camino al final de la calle, publicada en 1948. Su trabajo más conocido es la novela Suna no onna (1962), publicada en inglés en 1964 como La Mujer en las Dunas. El libro se tradujo a una veintena de idiomas, y Abe escribió el guión para una versión cinematográfica que fue premiada. Muchas de sus más importantes novelas se han llamado "kafkianas", como Entre los hielos (1959); La Cara de otro (1964); El mapa en ruinas (1967); El Hombre Caja (1973); Cita secreta (1977); y El Arca Sakura (1984).

En total, publicó trece novelas y más de cincuenta relatos breves, así como algunas obras de teatro y espacios dramáticos para radio y televisión. Más allá de la Curva (1990) fue la primera colección de cuentos aparecida en inglés. Algunas de sus obras, como Los amigos (1967), tuvieron una inmediata edición en inglés. Dirigió su propia compañía de teatro en Tokio para la cual escribía cada temporada varias obras. Se estima que sus libros vendieron más de nueve millones de copias en todo el mundo. Ganó varios premios y reconocimientos, tanto en Japón como en el extranjero.

7 DE MARZO DE 1785 NACE :

ALESSANDRO MANZONI

(Milán, 1785-id., 1873) Escritor italiano. Partidario de la Revolución Francesa durante su juventud y próximo al movimiento jacobino, Manzoni conectó rápidamente con la ideología romántica que impregnaba los comienzos del siglo XIX. Buen lector de Vico, asumió un espíritu historicista que lo alejó del racionalismo ilustrado de sus años de formación.

Halló en el catolicismo jansenista una respuesta a sus inquietudes ideológicas y poéticas, cuya primera materialización fue la redacción de sus Himnos sacros (1812-1822), en los que demuestra una fascinación típicamente romántica por los episodios bíblicos; fue esta misma orientación religiosa la que le llevó a estudiar, a partir de 1819, textos sacros de escritores religiosos de los siglos XVII y XVIII.

Al tiempo, ya se fue definiendo políticamente como un convencido defensor y propulsor de la unidad de Italia, cuyas tesis expuso en diversos ensayos y configuraron en gran medida su obra literaria, sobre todo en las odas Marzo 1821 o El cinco de mayo, interpretación histórica y religiosa de la epopeya de Napoleón.

Escribió dos tragedias, El conde de Carmagnola (1816-1819) y Adelchi (1820-1822), de gran valor lírico y fruto de un concienzudo estudio histórico, y en 1825 emprendió la redacción de su obra maestra, Los novios (1825-1827, revisada en 1840-1842). De concepción realista y escrita en el italiano de la burguesía, la clase política que se estaba consolidando, narra los hechos históricos más decisivos para la historia de Italia a través de las desventuras de dos campesinos oprimidos por el poder.

sábado, 5 de marzo de 2016

5 DE MARZO DE 1894 NACE:
JOSEP MARIA DE SAGARRA 

(Josep Maria de Sagarra i Castellarnau; Barcelona, 1894 - 1961) Poeta, dramaturgo y narrador español en lengua catalana que fue el autor más popular de la escena catalana durante las décadas de 1920 y 1930. Hijo de una linajuda familia oriunda de la comarca de La Segarra, su padre, Ferran de Sagarra i de Siscar, fue un notable historiador y arqueólogo especializado en sigilografía. La vocación literaria de Sagarra se manifestó desde su niñez: a los ocho años escribía versos y representaba comedias en su casa.
Se educó con los jesuitas de Barcelona; uno de sus profesores, el P. Moreu, le alentó en su inclinación por la poesía. A los doce años vio publicados sus primeros versos, y en 1914 aparecía su primer libro: Primer llibre de poemes. Cursó la carrera de Derecho en la Universidad barcelonesa: entre sus amigos y condiscípulos se contaban los poetas López-Picó y Riba. Fue presentado a Joan Maragall, quien adivinó en él a un gran poeta en ciernes. Su admiración y amistad por el autor de "La vaca cega" y por Carner y por los mallorquines Alcover y Costa i Llobera, fortalecieron sin duda su vocación, a la que contribuyeron también las impresiones recibidas en su primer viaje a Italia en 1912.
Terminados sus estudios universitarios, se trasladó a Madrid con el propósito de prepararse para el ingreso en la carrera diplomática. Su estancia en la capital de España le permitió conocer y tratar algunas de las figuras más sobresalientes de las letras, las artes y la política del momento. Hacia 1917, abandonado su intento de entrar en la diplomacia, decidió consagrarse a la literatura y al periodismo.
Encargado por El Sol, de Madrid, de la corresponsalía en Berlín, pasó a Alemania, donde residió una larga temporada. De nuevo en Cataluña se entregó a una plena vida ciudadana y a una incansable actividad literaria y periodística, todo de signo netamente autóctono. Colaboró en los principales periódicos y revistas barceloneses en lengua catalana, singularmente en los diarios La Veu de Catalunya y La Publicitat, y más tarde en el semanario Mirador, en el que acreditó su rúbrica Aperitius, comentarios volanderos a toda suerte de actualidades, de un tono ácido y pintoresco; al mismo tiempo se lanzaba a la aventura teatral y frecuentaba las tertulias literarias en las que imponía su pronto y vivaz sentido de la sátira.
En los Juegos Florales de 1931 fue proclamado "mestre en gai saber". Por este camino, Sagarra pasó a ser una de las figuras más conocidas y relevantes de la sociedad barcelonesa. Sus frases cáusticas, sus versos de circunstancias, mordaces y goliardescos, corrían de boca en boca en cafés y salones: algunas de sus coplas, pequeñas obras maestras del género, aparecieron en el semanario satírico El be negre.
Concurría a todos los estrenos, conciertos, exposiciones y solemnidades de toda especie; mataba horas en las peñas, las redacciones, los camerinos, viajaba, a ratos hacía política, era un inveterado cliente de los buenos restaurantes y locales nocturnos, y la gente se preguntaba qué tiempo podía quedarle para escribir sus largas tiradas de versos, sus numerosos artículos, sus periódicas comedias, sus traducciones. Los chismosos, a menudo movidos por la envidia, se cebaban en su vida privada, y los "padres de familia" se escandalizaban ante ciertos falsos rumores. La verdad es que pocos vivieron con tanta intensidad el período inquieto, apretado, despreocupado, lleno de buenos y malos augurios de la Barcelona de entreguerras.
Semanas después de estallar la guerra civil (1936) Sagarra pasó a Francia, donde se casó con una catalana; desde París emprendió viaje de ocho o nueve meses a los mares del Sur. Fruto de esta excursión fueron los libros Entre l'Equador i els tròpics(poemas) y El camino azul (prosa, 1940), este último escrito en catalán, pero publicado en castellano. Terminada la guerra civil nuestro autor regresó a Barcelona; entonces le tocó vivir unos años difíciles y oscuros, que dedicó a terminar la versión de la Divina Comedia, a la composición de un vasto poema sobre Montserrat y a la traducción de Shakespeare.
Hacia 1946 reanudó su actividad de comediógrafo y mucho tiempo después la de periodista, esta vez en castellano, especialmente en Destino y La Vanguardia. Por aquel entonces se acentuó en el poeta el viraje hacia la derecha, iniciado ya en los años que precedieron a la guerra civil; su actitud escéptica y libre quedaba al parecer corregida por un progresivo acercamiento a las ideas tradicionales y conservadoras. También son de observar en los últimos tiempos sus contactos con la intelectualidad conformista y oficial de Madrid, y sus esfuerzos por imponer su teatro en versiones castellanas. Al morir dejó inédita una comedia, la única que escribiera en castellano.

La poesía de Sagarra

Su obra poética, ya tan promisoria en el citado Primer llibre de poemes, continuó con El mal caçador (1916), tema legendario que prenuncia su Comte Arnau y conCançons d'abril i de novembre (1918). Estas tres primeras colecciones revelaron a un poeta precoz, muy dotado, puro e instintivo, que se maravilla ante el espectáculo de la Naturaleza y se sumerge en ella. El lenguaje es luminoso, de sabor popular y los temas son descriptivos: el campo, la montaña, el mar, la niñez en el hogar, un amor alegre sin dobleces ni inquietudes.
En 1922 publica el volumen Cançons de taverna i d'oblit, cuya composición empezó en Berlín, en el que se perfila un cambio de rumbo en la actitud vital y estética del poeta. Cesa el idealismo y aparece un escepticismo amargo, desgarrado y un erotismo de "enfant terrible". Siguen en el mismo tono Cançons de rem i de vela(1923) y Cançons de totes les hores (1925); en este último libro se observa un retorno a la balada y a lo popular de las primeras colecciones.
El conde Arnau (1928), en varios miles de endecasílabos, se basa en la famosa canción popular, que ya había sido glosada por Guimerá, Verdaguer y Maragall. Se trata de un poema prolijo, con muchos pasajes borrosos e inertes y algunos momentos de logrado vigor expresivo; tal vez su máximo valor resida en la riqueza y propiedad del léxico de que el autor hace gala en las descripciones del bosque y la montaña. Siguió Poema de Nadal (1931), escrito en pocos días, espontánea y fresca evocación del misterio navideño, sencillo, folklórico, emocionado, de notables valores plásticos.
Sus tres últimos libros poéticos (La rosa de cristall, 1933; Àncores i estrelles, 1936 y el ya citado Entre l'Equador i els tròpics, 1941) acentúan el tono escéptico y crudo, y constituyen un intento poco feliz de aproximación a las corrientes nuevas. Queda el extenso Poema de Montserrat, esforzado canto a los valores religiosos, legendarios, históricos y naturales de la montaña sagrada de Cataluña; los resultados no corresponden, en términos generales, al magno y noble propósito.

Su obra dramática

Parece ser que Ignasi Iglésias y Pere Coromines animaron a Sagarra a escribir para la escena. De 1918 es su primer estreno: Rondalla d'esparvers, drama romántico con toques dannunzianos y punto de arranque de un largo y casi ininterrumpido quehacer teatral, que perdurará a través de más de cuarenta años, durante los cuales la producción de Sagarra -que comprende cerca de cincuenta obras estrenadas, sin contar las traducciones- llenó en gran parte la vida escénica catalana de Barcelona y de Cataluña entera.
Dramas y comedias de inspiración popular o patriótica, farsas de corte molieresco, escenas rurales y ciudadanas, casi siempre situadas en el ochocientos -masías, tabernas, posadas, salones isabelinos-, historias sentimentales, presididas muy a menudo por una figura de mujer, entre románticas y realistas, expresadas en un lenguaje que regurgita metáforas de vaga inspiración popular, y en versos fáciles, sonoros, restallantes, fuertes hasta el desgarro o tiernos hasta el idilio, con verdaderas arias -incluido el calderón-, a cargo de la primera dama o del galán, en las que se centra el meollo del episodio o los sentimientos que dominan al personaje, y con las que se solicita, y casi siempre se obtiene, la admirada atención y el aplauso de un público sencillo y bien dispuesto, afecto todavía a la tradición de Pitarra y de Guimerà; he aquí, en resumen, lo más característico de esta dramática anacrónica y despreocupada, pero brillante, amenísima, llena de colorido.
Después de la guerra civil, Sagarra, que llegaba de París, intentó poner su teatro al día y escribió dos comedias dramáticas, La fortuna de Silvia y Galatea, en las que hombres y mujeres de nuestro tiempo hablan en prosa y se debaten entre problemas contemporáneos. Desgraciadamente, nuestro autor no perseveró en la nueva dirección y reincidió en los antiguos modos, que fueron los que le proporcionaron sus grandes éxitos populares. Últimamente triunfó con una obra de tema actual, La ferida lluminosa (1955), de trama basta y efectismos melodramáticos; este drama fue aplaudido también en Madrid, traducido por José M.ª Pemán, y pasó luego a la pantalla.
Las producciones posteriores revelan cierto cansancio o son simples adaptaciones (del Avaro de Molière, en El senyor Perramon, y del Casamiento de Gogol, en El fiscal Requesens). De la extensa obra escénica de Sagarra destacaríamos tal vez La filla del Carmesí, entre las comedias de inspiración popular y La plaga de Sant Joanu otra parecida, entre las farsas de ascendencia molieresca.

Obra en prosa

Como narrador su obra más considerable son las Memòries (1954, ed. castellana de 1957), en las que el autor recoge recuerdos familiares y personales, comprendidos dentro del primer cuarto de este siglo. De sus tres novelas, Paulina Buxareu (1919),Ajo y salobre (1929) y Vida privada (1930), sólo la segunda, erótica, realista, de ambiente marinero, se salva del olvido. Vida privada, que es con mucho la más divulgada, fue en su momento piedra de escándalo por el atrevimiento en la exposición de las prácticas sexuales "inconfesables" de sus protagonistas, descendientes de la antigua nobleza rural y miembros de la nueva burguesía barcelonesa. También recogió en tres volúmenes (Café, copa i puro, Aperitius y Cola de gallo) crónicas y trabajos periodísticos.
Su obra de traductor es importante. La versión rimada de la Divina Comèdia le ocupó largos años; es extremadamente cuidada, circunstancia digna de destacarse en un escritor como Sagarra, rápido y expeditivo, poco dado a la lenta elaboración y a las pacientes revisiones. En cambio su traducción de treinta obras de Shakespeare es desigual y en no pocos pasajes muy discutible; con demasiada frecuencia el traductor ha prestado al inglés el lenguaje metafórico difuso y desmesurado, con más sonoridad y color que fibra, de un teatro original.
El conjunto de la producción sagarriana impresiona por su volumen, por el curso "fluvial", que jamás desfallece, y por la proyección popular que ha alcanzado. Sagarra ha sido un eficaz divulgador de poesía con sus composiciones líricas y épicas y sobre todo con su teatro. La notoriedad del poeta fue extraordinaria, singularmente hasta 1936. Escritor vuelto hacia el pasado, profuso, de gran aliento verbal, su obra constituye una excepción en los tiempos en que la poesía suele cuajar en piezas breves y escuetas y en que la dramática plantea problemas de actualidad palpitante o presenta figuras de la nueva filosofía en formas antirretóricas y más bien esquemáticas. Sagarra murió en plena actividad, si bien algo distanciado de la genuina realidad de su país y de su tiempo; con todo conservó hasta el último momento la reluciente aureola de poeta popular -el más popular en Cataluña después de Verdaguer- a lo que tal vez no dejó de contribuir la sugestión de una vida casi legendaria de bohemio de altura y de aristócrata nato.

ROBERTO ARLT AGUAFUERTES PORTEÑAS YO NO TENGO LA CULPA

     ROBERTO ARLT        AGUAFUERTES PORTEÑAS     YO NO TENGO LA CULPA   Yo siempre que me ocupo de cartas de lectores, suelo admitir que se...